白癜风北京哪家医院好 https://wapjbk.39.net/yiyuanfengcai/zn_bjzkbdfyy/在当下，如何面对艺术创作中的“主题创作与个性表达”？北京画院近日在举办年度学术年会期间，专门举办了“主题创作与个性表达”圆桌论坛。参会人员共34位，其中5位北京画院院外知名画家，21位北京画院在职画家，以及5位知名艺术学者、评论家等。与会人员就会议议题展开了多视角、多层次的陈述，其中既有评论古代主题创作的，也有结合个人创作经验分享体会的。有的还对“主题”、“主题性”、“个性化”的概念及精神内涵进行了剖析，其中不泛真知灼见。本综述因篇幅所限，仅对发言者的内容进行简述以飨读者。中国画的主题性创作通常是指以某个特定主题为创作核心，通过画面表达出该主题的思想、情感和内涵。同样，作为一位艺术家，如何在创作中呈现出自己的个性也一直是一个重要的话题，或者说，个性表达可谓是艺术家的灵魂所系。北京画院“主题创作与个性表达”圆桌论坛现场主持人、中央美术学院教授于洋为论坛作了开场白，他说圆桌论坛的主题延续北京画院年年会中讨论的“主题创作与个性表达”，这也是当下美术创作发展的核心课题之一。主持人、艺术学者刘墨讲述了古代庄子中“解衣盘礴”与“真画者”的故事，建议辩证地看待“主题”与“个性”的关系。接着他又简述了20世纪重要的主题性创作和展览活动。他还介绍了年代主题性创作中的合作画情况，那是集体大于个人的一种合作模式。这些历史经验对于当下我们探索主题性创作具有启示意义。北京画院“点画——北京画院画家作品展”现场：刘墨点评姚震西北京画院院长吴洪亮在发言中开门见山地提到北京画家艺术家的责任。尤其谈到明年即将举办的第十四届全国美展。他鼓励画家们在功成名就后，还要积极参与，更上一层楼。不要对写意作品参展失去信心，随着展览机制与评价机制的调整与进一步完善，只要是好作品，不管是工笔还是写意，都有机会获奖，都有机会“穿越历史”。中国艺术研究院教授、画家陈孟昕首先澄清了一个观点，认为主题性创作不只有一种模式，它有很宽泛的范畴。无论是画家还是理论家，都有责任认识到这一点，以便指导当前的主题性创作，以避免出现历史性错误。在个性化问题上，陈孟昕认为“个性就是把你手上的东西做到极致”，他劝告年轻画家不要被时尚和别人的评价牵着走，要不断深挖自己的闪光点，不断总结，反复打磨，反复做加减法，个性慢慢就出来了。接着他讲述了他是如何在造型、色彩上不断研究和实践，最终形成自己个性化特征的。陈孟昕画作北京画院副院长、画家莫晓松对陈孟昕的观点深以为然。他回顾了自己上大学时对艺术追求的本能状态，一方面刻苦训练，另一方面及时对自己查漏补缺。那些年在人物、山水、连环画上打下的基础对他后来的花鸟画创作奠定了非常好的基础。进入北京画院后，又不断补充传统养分。在个性化尝试方面，他分享了两个经验，一是线条；二是色彩。在与北京画院前任院长王明明一次闲聊中，促成了他用实践的方式去比较研究中国线条与古希腊线条的区别，他一边练隶书，一边尝试用中国的笔墨去表现古希腊艺术，“汉隶圆润和浑厚，但是我自己画工笔，我又想着破一下，所以经常就用破笔画”。那次收获是多幅作品和对中国线条更深入的理解，他用自己的方法去画古希腊罗马艺术，在用线和墨上“尤其和六朝魏晋那个时期的感觉相通”。莫晓松在工笔水墨领域笔耕多年，最近又想重新研究色彩。他“特别喜欢印象派的色彩”，但是那些东西无法复刻到中国绘画里，因为中国颜料成分不一样，很难画出灿烂的感觉。在这种困局里，莫晓松没有束缚自己，而是在“破”的思路下，随心所欲地画。在他看来，只有“放下”成熟的东西，才能轻装前进。能折腾出一幅好作品出来，就是终极目标。北京画院“点画——北京画院画家作品展”展出作品局部北京画院党委书记刘宝华从“时代+艺术”的视域作出重要提点，他认为要高度重视主题性创作，是因为任何艺术都是时代的艺术，每个时代的艺术家都有责任去表现那个时代的艺术。时代艺术需要个性表达，而个性表达所依托的是个体的魅力和内在的积淀，需要功力。主题创作和个性表达是相吻合的，谁也脱离不开谁。从个体来讲，对主题的选择又不是一个简单的迎合，而是发自内心需求和认可，这样才能创作出更多优秀的作品。中央美术学院教授、中国画与书法学院副院长丘挺认为，当前的创作，无论是主题性还是非主题性作品，画家的技术达到了历史新高度，但作品普遍缺失了“精神性”的东西。他提了几个问题，明代绘画很大程度上与市场有关联，但画出来的东西仍然有“精神”，中国当前的艺术也与市场有关联，为什么会缺失“精神”?韩国、日本的主题展览很稚嫩，甚至有些拙劣，可为什么会打动人心?原因在哪里?丘挺的问题可以说是直击灵魂。其中的原因当然是多方面的，丘挺自己分析了其中的一个原因，那就是展览制度有待完善。在他看来，目前的展览制度屏除了手卷、册页等微观形式，而这种形式恰好是承载传统精神最重要的媒介之一。他举《十面灵壁图》来支持他的观点，他认为“那是绝对格物致知的一个非常有当代观看性的一个主题创作”。明代《十面灵壁图》局部首都师范大学美术学院院长、教授王海滨谈了三个问题。首先，他认为主题性创作是有社会功能的，从古代的《女史箴图》、《采薇图》到当代的《人民和总理》《粒粒皆辛苦》都有这个特点，这对于廓清什么是“主题性”创作有启发意义。其次，他介绍了首师大近年来在主题性创作上的成果，是学院新的学术增长点，体现了一位美术学院院长的责任意识。最后，他结合自己的创作经验和阅历谈了“个性化”的几个可探索点，分别是题材可以拓宽到地域美术、要巧妙地学习古今中外的艺术语言、拓展绘画媒介、融入时代精神。方增先《粒粒皆辛苦》中央美术学院修复学院院长、教授王颖生介绍了中央美术学院几十年来的主题性创作情况，认为主题性创作有它的客观要求，比如有些宗教壁画，它的根本要求是把佛经故事讲清楚。所以先要弄明白拿到手上的主题性创作，目的是想表达什么。现在的主题性创作，在经过多次讨论会后，“个性表达都会慢慢被磨灭”。那怎么办?王颖生讲了南北画家的不同方法，南方画家从花鸟画里找方法，北方画家从山水画里找方法。王颖生创作过不少主题性作品，在他看来，“主题性创作是一项艰苦的劳动”，因为它与自己熟悉的、喜欢的题材不一样。怎么办?“放下身段，让自己真正进入到那个语境里”。它不但是对“个人的磨砺”，同时也是对这一类绘画探索一种新标准和新要求。《安塞腰鼓》李传真中国艺术研究院国画院副院长、博士生导师、画家李传真有多年主题性创作经验，她认为主题性创作虽然是“命题作文”，却是“非常开放的命题”，因为艺术家可以从自己的生活、审美、知识结构去自由创作与命题相关的作品。所以她非常乐于接受主题性创作的挑战，并且将它视为体制内画家应尽的责任。李传真结合自己多年画农民工的创作经验谈了几点体会：一是她长期以来深爱自己所画的农工题材；二是为拓展技术广度，她以饱满的热情去学习各种新技术，如设计学原理，IPAD绘画技巧，AI技术等等，她希望自己不要成为“非遗”，而是永远有新活的感受力；三是作为人物画家，她通过研习素描和解剖学来不断提升自己画肖像的能力；四是通过尝试各种颜彩、水彩、水粉去建立自己的色彩体系。北京画院“点画——北京画院画家作品展”现场：顾村言点评怀一《澎湃新闻》艺术主编、画家顾村言认为，主题有大有小，有狭义与广义分。如果是真正的艺术家，就不能被一些社会性主题性创作所束缚，即使是参与社会性主题性创作，也要与真正的人生与生活体验相结合。“如果曹雪芹满脑子是所谓主题的话，应该就写不出《红楼梦》了。”他主张用有着自己独有艺术表达方式去观察，去真诚表达生命体验，“艺术的表达关键是真诚，如果非要说主题，那么一般理解的主题创作可能更多是社会性的，是服务性的，是当下的，而另一个则是恒久的的，与个体真正的生命体验相关。其实艺术家更应
